耶鲁大学公开课《聆听音乐》笔记(110讲)_耶鲁公开课聆听音乐
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耶鲁大学公开课《聆听音乐》
讲师：Craig Wright 职业：耶鲁大学音乐教授
学位：哈佛大学博士学士 钢琴乐音乐史双学位
第一课：导论
流行音乐与古典音乐：古典音乐旋律感强烈。
音乐与语言：颞叶是处理音乐和语言的听觉中枢。额叶是短期记忆中枢，用于记忆曲子。顶叶记忆肌肉工作。读谱用到视觉中枢。即兴创作并表演音乐是一个复杂的过程，是多个中枢协同工作的结果。
音乐和语言从本质上都是声音，非常接近。学习听音乐就像学习语言，要将听力练习每天进行，逐渐同化。
示范曲目
贝多芬第五交响曲(命运交响曲)贝多芬第九交响曲(欢乐颂)德彪西月光
贝多芬第五交响曲VS贝多芬第九交响曲
表达出的情绪，前者焦虑不安消极，后者和谐安全积极。
一：大调和小调。前者是小和弦，后者是大和弦。
二：前者跳跃，后者连续。
三：前者不断向下，后者基本稳定的回旋。
德彪西月光
节拍舒缓，没有鼓点，甚至难以确定节拍。走向是徐徐向下，直到一小段结束才返回到高处，形成了一个情绪的堆积和小高潮。
音乐的两个维度：音高和时长。
音高相当于纵轴，时长相当于横轴。
理查施特劳斯查拉图斯特拉如是说
用管弦乐表现人类力量的觉醒。使用的乐器是管风琴，接下来是小号，以及打击乐。
二拍子和三拍子
二拍子和三拍子是最常见的音乐节奏单元。
二拍子是|强弱|强弱|，三拍子是|强弱弱|强弱弱|。
转调
选择一个音高，然后整体转到另一个音高。
第二课 乐器与音乐风格
示范曲目
贝多芬第五交响曲
柴可夫斯基第一钢琴协奏曲
理查施特劳斯查拉图斯特拉
本课介绍了不同的音乐风格，交响曲，协奏曲，交响诗。以及不同的乐器铜管，弦乐，木管。
贝多芬第五交响曲——交响乐
交响乐一般有四个乐章，乐章是交响乐中相对独立的部分，与其他乐章和谐统一。通常是：一个简短的开始的第一乐章，一个缓慢的抒情的第二乐章，由舞曲衍生的第三乐章，迅速强势的起总结作用的第四乐章。
主题还是动机？theme or motivation
主题和动机都属于旋律的范畴，动机是较为短小的，主题是比较长而抒情的。
贝多芬第五交响曲——第一乐章由动机开始，第二乐章由长而抒情的主题组成，第三乐章用同样的四音符节奏联系了第一乐章的动机，第四乐章的感情基调比较积极，是因为音乐的走向转为上行，同时乐器换成了小号。
柴可夫斯基第一钢琴协奏曲—协奏曲
协奏曲一般有三个乐章，在协奏曲中，独奏乐器要和管弦乐队分庭抗礼，协作与让步，柴可夫斯基第一钢琴协奏曲运用的是四个音符的动机。各种乐器互换角色。
施特劳斯查拉图斯特拉—交响诗
交响诗是单乐章作品。作家通常讲述故事或者重现文学作品。
圆号horn、巴松baoon、中提琴Viola。
音阶、音质和音色、音量。
中提琴有揉弦、拔弦、碎弓等技巧。
莫德斯特穆索尔斯基 波兰牛车
将视觉图像用音乐表现，先渐强，然后减弱到很弱。先用低沉的乐器，然后用高音的部分，再回到低音部分。（模仿了物理学上的多普勒效应）
理查施特劳斯 死亡与净化
和谐音与不和谐音—协和的音程听起来就悦耳，而不协和的音程人们听起来就刺耳、有一种压迫感。因为音程的比率不同，像3:2,4:3等给人和谐感，而11:12往往带来不和谐感。
第三课 节奏：音乐的基础
音乐记谱法
西方的音乐记谱法，使音乐更加精确，让作曲家的地位更加突出，并且很好的保存了作者的原意。
示范：穆斯林祈祷的圣歌
在音符之间游走的美，是无法用西方的音乐记谱法记录的。
音符、音符值、附点、休止符
音符通常使用二分法，就是每多加一道杠，表示的时长就变为原来的一半。有时也用三分法表示。
拍和节奏
我们用四分音符表示拍，（经常重复的）长短不同的节拍的组合称作节奏。
在我们的课程中只需要分辨两拍子和三拍子。
示范：科尔波特Cole Poter的战歌
这是两拍子的歌。用重音分辨。强弱、强弱是二拍子的标志。加入的切分音是为了使歌曲更加活泼。
重拍前的一小段音乐，叫pick-up。
辨认重拍的四个要点：
1.音符的时值。宗教音乐里，所有的长音都是重拍。
2.重音。莫扎特-第四十交响曲-g小调交响曲。
3.伴奏的音域。约翰施特劳斯-圆舞曲。钢琴左手部分的音域，是低中中低中中，低音是重拍。
4.和弦的变化。和弦的变化通常都在重拍上。
示范：
肖邦葬礼进行曲-降b小调第二奏鸣曲第三乐章
莫里斯拉威尔-波莱罗舞曲
第四课 节奏：爵士 流行和古典
小游戏：感受二拍子和三拍子
基础音高：一个音高由很多个声音的峰值或者说泛音组成。
声音的振幅：一个混合音中，改变各个分音的振幅，就能得到不同的音色。
不同乐器的声学特质不一，所表现的声音振幅亦不一样，由这些乐器发出来的声音事实上是这些分音的混合。
音乐的速度：指节拍的快慢。渐快、或渐慢。
节奏-拍子（beat）
音乐的“脉搏”，每个一定的时间出现的拍子或者重音之类的。
速度-拍子（tempo）
音乐的节拍或者速度。可由beat来控制。
切分音（syncopation）
一种节奏的插入，前一个音突然停止，后一个音提前出现。使音乐听起来奔放。
切分音出现在右手的旋律部分。
示范曲目：Scott Joplin—The Entertainer
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三连音(triplet)
在原来演奏两个音的时间里演奏了三个音。
示范曲目：God Save the King(天佑吾王)
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音乐的三种织体：
织体大意是指曲调线的分布。象挂毯中的编织法，也像女孩子编的头发，一个马尾还是三股的辫子。
1、单音织体—只有一个音（相差八度音仍为一个音）。
2、主音织体—旋律加和弦。
3、复音织体—一组独立的乐句同时进行。复音织体分模仿式对位法和自由对位法。
运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。
对位法：
是在音乐创作中使两条或者更多条相互独立的旋律同时发声并且彼此融洽的技术。对位法是音乐史上最古老的创作技巧之一，是复调音乐的主要写作技术，其名称来源于拉丁文punctus contra punctum，音符对音符，但是，对位法并不是指单独的音符之间的和弦，而是指旋律之间的相互作用。对位法在巴洛克时期的音乐中得到了广泛的应用，其中以约翰·塞巴斯蒂安·巴赫所作的《赋格的艺术》以及《音乐的奉献》最为闻名。
复音织体自由对位法示范曲目：Amazing Grace(奇异恩典)http://www.daodoc.com/
第五课
纵向：音高和旋律
前面讲完了音乐坐标的横轴——时值，下面谈论纵向——音高和旋律。
在音乐织体中，旋律的声部通常落在高音区，这是因为从声学上讲，高音的频率高，更容易让人听清楚细节。
五线谱的历史。开始是四线谱，后来也有过六线谱，最后固定为五线谱。
音高也可以用字母来标注：CDEFGAB。到B然后又从C开始重复，这是因为高音C的频率是低音C的两倍。这样一个轮回构成音乐的八度（octave）。
西方音乐系统里，一个八度里分七个音阶，但世界其他地方是不同的。比如，印度音乐里的音调“拉格”，一个八度分六个音阶。而中国的古代音乐一个八度则分为五个音阶（也就是我们熟悉的宫商角徵羽）。中国的用了二胡做例子，拉二泉映月。
二泉映月（阿炳版）http://v.youku.com/
半音阶：在CDEFGAB七个音中间，相差的音高并不是相同的，有些音之间的音高差是另一些音之间的两倍。在这样的音之间就有一个半音阶。一共有5个半音阶，分别是C和D之间的降D，D和E之间的降E，E和F之间只隔了半个音阶，所以不再有半音阶，F和G之间有降G，G和A之间是降A，A和B之间是降B。至于B和C之间，也只隔了半个音阶，所以没有降B。这样7个全音阶加上五个半音阶一共十二个，十二个组成一个完整的八度音阶。
知道了半音阶和全音阶，就可以讲调式了，也就是大调和小调。（具体以后会讲，先大概知道个区别就行了）
大部分民谣都是用大调写成，大约80%。古典音乐领域大约同样。
一般来说，用大调表现的是欢乐、明亮、乐观、高昂的情绪，小调则相反。这是一种习惯，没有声学的道理。
主音（Tonic note）和导音（leading tone）。主音是调式里的第一个音，而导音则是第七个音（因为它会引导整个音阶在轮回后回到第一个音，所以叫导音）。一个曲子结尾通常落在主音上，导音总是比主音的低半个音阶。导音的作用往往是引出主音，当音乐落在导音上时，观众会期待主音出现才能获得“安全感”。举例，帕瓦罗蒂的歌剧，经常把音停在导音上，让观众期待主音的出现。还有个例子是欢乐颂，第一句结尾落在导音上，第二句就落在主音上（第三局结尾有个切分音，拯救了整首曲子）
欢乐颂：http://www.daodoc.com/
第一小节有一个八度音程的跳跃。
第二小节末尾没有出现主音。
然后出现假终止，主音不变，合音却变了。结尾出现的是主音。
普契尼的咏叹调体现了乐曲的高度结构化。
音乐和声的终止式有：正格终止和变格终止（也称假终止，或阿门终止，常用于圣歌和赞美诗）
★欣赏：理查德.瓦格纳的歌剧《特里斯坦和伊索尔德》片段
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旋律模进：即在不同的音高重复相同的旋律。
用不断变化的音乐，以上升的模进，来达到高潮，形成一个不协和音，然后释放。曲调柔和了，音高降底了，节拍变慢了。故这段片断Liebestod也称爱之死。
瓦格纳的咏叹调的特点：通过一个动机，连续推动旋律模进。
★欣赏：莫扎特的歌剧《费加罗的婚礼》片段《你可知道什么是爱情》
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每四小节一句，逐步升高旋律，提升到最高点。一个假终止式，随后一个终止式。
莫扎特的咏叹调突出层次感、对称感。
第七课 和声：和弦和如何创建主题
影响西方音乐的因素，除了之前讲过的记谱法外，另一个重要因素就是和弦。
和弦：所谓和弦就是多重音高的叠加。
和音就是两个以上的音同时发出。
一个和音可以是和谐的，也可以是不和谐的。我们讨论协和音和弦。
三和弦：有三个音的和弦，5个音名的跨度，一个音名。三和弦是最基本的和弦。
在和弦中，Ⅰ主音很重要。Ⅴ属音起到引导作用。Ⅳ次属音通过影响属音，间接影响主音。
★欣赏：牛仔歌曲：雷拉多的街道
和弦的转换，是为了让旋律和谐，或让旋律悦耳。
和声转换的频率有规则的，也有不规则的。
和声是在低音部分演奏的，就像建筑里的柱子起到支柱作用。低音音符是基础，然后你在上面添加其它东西产生和弦，然后和弦构成主音、属音等等。
★欣赏：蓝草乐队。
(没有找到课程中的乐队，欣赏一下Bearfoot乐队的蓝草天籁吧。
http://a29983.blog.hexun.com/
琶音：将三和弦的的音一个一个的弹奏。
自18世纪以来最受欢迎的就是一种被称为阿尔贝提低音的样式：1535。
和声也可以独立存在：巴赫的序曲
降调模进、音级提高、在达到最高潮以后又回到了主音上
底部有一个大调三和弦，顶部有一个小调三和弦。
★示范曲目：贝多芬《月光奏鸣曲》
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四个不同的和弦有规则的改变，Ⅰ、Ⅵ、Ⅳ、Ⅴ。
★欣赏：莫扎特九岁时写的降B大调第五交响曲
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用字母来表示：A-B-A模式，总分总。
A很短，是小调，进入B，转调，是大调,又回到A。
关系大调和关系小调。关系大调和关系小调有相同的调号(五线谱上有相同的升降号数目和位置)。关系大调比关系小调高三个半音。
奏鸣曲式的形式由三个重要部分组成：呈示部、发展部、和再现部。
可以将奏鸣曲式看作由三段式发展而来的，但是它比三段式更复杂。
奏鸣曲的每个部分都有更细致的结构划分。
呈示部常用的两种内部结构：第一主题大调主音Ⅰ开头，第二主题接着是属音Ⅴ，然后结尾主题回到Ⅰ；另一种第一主题是小调开头，然后第二主题是关系大调，然后回到小调；而发展部比较复杂，比较难辨别在哪个调；再现部回到主音。
可选的附加部分是尾声coda，前奏。
★奏鸣曲示范曲目一：莫扎特《G大调弦乐小夜曲》
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在发展部分，发展的是呈示部的结尾主题。
*这个曲子是一个非常美妙的有关奏鸣曲形式的范例，它完成了我们模型的要求，适合所有的特点，速度也非常快，这一乐章大概有六分钟。建议反复揣摩教学视频中教授的赏析。
★奏鸣曲示范曲目二：贝多芬《第五交响曲》开头部分
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第十课 奏鸣曲式和主题以及主题变奏
这节课主要讨论主题曲与变奏曲，都是非常古老的曲式。
在古典时期音乐是修饰性的，在每个乐章中都有活动，音乐会进行四种活动中的一种，它会呈现一个主题，从A点滑向B点。
奏鸣曲乐章中的四种功能：主题性、过渡性、渐进性、节奏性(结束功能)
示范莫扎特曲目片段：
主题性比较简单，容易哼唱；
过渡性有很多动作，有点不安份；
节奏性拍子变慢，容易辨别；
渐进性非常复杂，很多对位点。
第一片段：过渡
第二片段：节奏
第三个片段：主题性
第四片段：渐进
第五六七：过渡、渐进、节奏性
渐进性和过渡性的听起来几乎是一样的，是最难区分的两个类型，主题性的可以当作音符来记，节奏性的相当直白，因此有一种倾向。过渡性与渐进性的部分会被混为一谈，经常会有渐进性与对位点在一起。
主题和变奏：
主题曲和变奏曲的主题都很简单，主题越是简单，这种主题就越发地能成为主题曲或变奏曲的基础，这让作曲家有更大的自由用于寻求多样化。
示范曲目：贝多芬《上帝保佑国王》
示范曲目：查尔斯·艾伍士《美国主题变奏曲》
★示范曲目：莫扎特《小星星变奏曲》
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变奏一：改变了主题。
变奏二：没有改变主题，改变了语境。
变奏三：改变了主旋律
变奏四：没有改变主题，对主旋律使用了切分法。
变奏五：复调、模仿性的、小音阶，变奏，最后是尾声，与主题完全无关。
★示范曲目：科雷利的变奏曲（C大调三重奏鸣曲？）
它基于一个旋律和低音模式。
第三处变奏 断音
第五处变奏
第六处变奏 低音区
第七处变奏 小提琴演奏琶音
第八处变奏 三连音 第十 切分音
十三 小提琴演奏的四音和弦
★00：45为肯所和教授合作的小提琴曲，强烈推荐。
