西方音乐史_西方音乐史介绍
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格林卡（Glinka，1804～1857）是俄罗斯音乐的奠基人，他被称为“俄罗斯音乐之父”。
格林卡有句名言“创作音乐的是人民”，作曲家只不过是把它编了一下而已。”这反映了格林卡的创作思想，他的代表作品有歌剧 《伊凡·苏萨宁》。
《索儿维格之歌》是《培尔·金特组曲》配乐中最精彩的一段，旋律婉转动人，深受挪
威人民的喜爱，因此被誉为挪威的“第二国歌”。《培尔·金特组曲》的曲作者是挪作曲家 格里格。
马勒的代表作品（《大地之歌》）分为六个乐章，歌词采用中国诗人李白、孟浩然、王维
等人的诗歌，作品中既有对生活热情洋溢的高歌，也有对死亡恐惧的感怀，作品淋漓尽致地揭示了尽情享乐与预感死亡的矛盾和困惑。
20世纪美国作曲家（约翰·凯奇）从印度禅宗哲学以及中国《易经》中汲取养分，对
偶然音乐进行了探索，创作了著名的无声钢琴音乐作品《4分33秒》等，该作品反映了他的艺术理念：生活即音乐，音乐就是生活。
在歌剧中，不仅使用大标题，而且每个乐章都冠以小标题和详细的文字解说，并用“固
定乐思”代表主人公的形象，首次运用这种形式进行创作的是法国作曲家（柏辽兹），代表作品是（幻想交响曲）
电子音乐是20世纪50年代产生的一种新音乐形式，其发展可分为三个阶段：一是（录
音带）音乐与具体音乐时期，二是（电子合成器）音乐时期，三是（电子计算机）音乐时期。
(舒伯特)一生共写了六百多首抒情歌曲，其中包括两部声乐套曲《美丽的磨坊女》、《冬
之旅》，这两部声乐套曲的诗都是缪勒（1794～1827）写的。
基督教的文明与欧洲的资本主义的发展相结合，赋予了西方音乐以新的文化意义，即：
人文主义的与个人主义的思想。
随着资本主义的发展，作曲家从教堂出来，走入宫廷，又从宫廷出来走入市民阶级，成为自由艺术家，这个漫长的过程就是对人的发现和人的解放的过程。
美国作曲家科普兰回忆20世纪初的情况时说：“当时的口号是创新，就是说一切都是可
能的，每一位年轻的艺术家都想弄出一点什么过去未听过的、没有人做过的东西。传统什么也不是，发明才是一切。” 科普兰的话从侧面反映了现代主义音乐中的个性特点产生的缘由。
浪漫主义时期的音乐比过去任何一个时期的音乐都要世俗化，宗教音乐到这个时期退居
次要地位，宗教音乐的体裁不但注入了强烈的世俗性，甚至达到十分个性化的程度，以至于根本很难在教会里演出，例如肖邦的《安魂曲》。
在意大利民族解放运动的影响之下，威尔第复兴了意大利的歌剧艺术，喜歌剧《塞尔维
亚的理发师》是其代表作品。
喜歌剧最初是正歌剧中穿插的幕间剧，因为取材于日常生活，形式活泼，富于民族和地
方色彩，受到观众的喜爱和重视，逐渐形成一种独立发展的音乐喜剧体裁；喜歌剧首先出现在法国，以佩格雷西的《管家女仆》为代表。
复调音乐不是单声部音乐发展到一定阶段的“进化”结果，而是与单声部音乐相平等的现象，它是欧洲特定历史、特定文化条件下的产物。
在1843年，舒伯特在莱比锡创办了《新音乐报》，他利用《新音乐报》的园地，不仅批
判了当时艺术家的颓废，揭示了古典遗产的真正价值，并且以卓越的远见鼓励后起的音乐家：如肖邦、柏辽兹、李斯特等人。
主导动机（Das Leitmotiv）：
也称为主导主题。在大型音乐作品如格局、舞剧及标题作品中，用以象征某一特定人物、事件、情景或情感，并始终与所象征的人物或剧情密切联系在一起的音乐片段，被称为主导动机，主导动机具有标签和符号的意义。瓦格纳的《尼伯龙根的指环》是使用主导动机的代表作品。
大歌剧（grand opera）：
大歌剧是19世纪上半叶流行于法国的一种严肃歌剧，相对于当时的喜歌剧。它通常是
四或五幕的大型歌剧，反映历史性内容，追求奢华的舞台效果，在歌剧中穿插华丽的芭蕾舞场面，不用于念宣叙调，采用大合唱和大乐队等宏达场面。代表作是梅耶贝尔的《新教徒》。
艺术歌曲（Lied）
:是作曲家以诗为歌词，根据诗的内容创作的歌曲。艺术歌曲中，音乐与诗歌有机结合，通常有戏剧性和抒情性两种形式，采用分节和通节两种写法，并配有伴奏。艺术歌曲的伴奏在歌曲中占有重要的地位，承担着演唱旋律所不能表达的内容，许多伴奏甚至具有独奏的价值。
柴科夫斯基的创作特征
柴科夫斯基的音乐有两个鲜明的特征：抒情性（表现在旋律上）、戏剧性（欢乐与痛苦
等矛盾冲突）
⑴在题材内容和艺术形式上更加多样化，不局限于俄国题材，不拒绝任何体裁和形式； ⑵在音乐语言和艺术技巧方面更多地吸取了俄国民间音乐的音调和创造性地借鉴了西
欧古典乐派和浪漫乐派的音乐成果；
⑶在精神气质和民族风格上，比强力集团更广泛一些，格调更为高雅、细腻；力求反映
普遍的情感，多愁善感。
⑷强调民间音乐是发展专业音乐的源泉和基础；
柏辽兹的音乐风格与贡献 新型的标题音乐，整体设想的文学性； 幻想性；《幻想交响曲》是这种思想的缩影； 色彩绚丽的音响，管弦乐队规模扩大，突破定型乐器的习惯用法； 创作的戏剧化趋势，追求一种综合性艺术； 十二音音乐： 十二个半音的地位平等，取消传统大小调体系的音级功能差别，prime原型（P）、retrograde逆行（R）、inversion倒影（I）逆行倒影（RI），通过对音列的音高移位或节奏变化进行展开，常用的有48个序列。基本原则：十二音音列仅仅是构成乐曲的材料（非音乐主题），音列中的十二个半音不能重复，防止调性出现；避免三和弦进行，在序列中不能过多使用相同音程，四度、五度、三全音音程只能用一次。
肖邦钢琴音乐的特点
肖邦的钢琴作品及演奏艺术，讲究音色的美和诗意的表现——“钢琴诗人” ；
多使用波兰民间音乐素材，具有鲜明的波兰民族音乐风格；对19世纪后半叶民族乐派的形成产生了深远影响；
肖邦的创作构思趋向标题性，着重内心世界的描绘，富于艺术想象的幻想性； 钢琴演奏技巧的创造和表现手法的创新；
赋予了夜曲、练习曲、叙事曲等音乐体裁以新的思想情感内涵，并提高了这些音乐体裁
艺术表现力；
威尔第的歌剧特征 歌剧脚本力求简短而精练，用音乐表现戏剧情节内容，着重描写剧中人物的性格和情感； 旋律抒情而动听，人物歌唱个性化。用富于情感而有戏剧性的音乐揭示人物的性格和复杂心理； 题材的选择体现了强烈爱国及民族情感，多选用文学戏剧名著； 为意大利现实主义歌剧开辟了宽广的道路。整体序列音乐（integral serialism）： 作品的参数（成分）——音高、节奏、力度、音色等被序列化；是从根本上改变作曲原
则的一次发展；是十二音音乐发展的晚期形式。
新的音乐观——新的创作方法，新的结构观念；按照音乐本身的形式要素，数学+音响
学；追求变化，避免重复；过于偏重形式，缺乏听觉吸引力；（汉斯里克，形式主义音乐）；
梅西安《时值与力度的模式》；
谈谈俄罗斯“强力集团”（五人团）的共性；
都生活在19世纪60年代废除农奴制前后俄国社会运动高涨的环境中，受到革命民主主
义的影响；
都敬仰格林卡，继承发扬其优良传统，推动俄国音乐的发展；
热爱俄罗斯民族音乐，创作具有鲜明的民族性，深刻表现俄国人民的思想、感情； 提倡音乐的标题性、思想性、形象性、通俗性；
反对学院派习气，主张创新和风格独特
喜好将异国与俄罗斯风情做对比性描写；
创作坚持现实主义原则，反映民主思想、富于民族特色；
他们遵循格林卡的创作道路，致力于俄罗斯民族歌剧的创作，选择民间传说、民族史诗
和现实生活题材作为歌剧的内容。他们写有鲜明标题性的交响曲和器乐作品，民族性（民族音乐语言、民族精神）， 奠定了俄罗斯民族乐派的基础，对19世纪末及20世纪初的作曲家产生了深远的影响。举例说明
结合实例谈谈浪漫主义音乐的特点
强调个性与个人情感的表现；侧重于作曲家主观的生活体验和内心世界的描绘；
幻想性：追求富于幻想的、鲜明的音乐色彩；喜欢虚构性的题材和音乐形象来体现作曲
家的艺术理想；
标题性：倾向于标题音乐，其构思常常与文学等姊妹艺术相关；
抒情性：大自然是创作灵感的源泉之一，触景生情或借景抒情是其创作特点之一； 民族性：重视民族艺术以及作品的民族特色；民族乐派；
形式多样性：突破古典乐派拘泥于形式的束缚，在作曲技法上有很大突破；
从具体音乐要素上看：①旋律的乐句组成不受固定形式的约束，趋向不对称的自由形态，伸缩性很大，抒情性很强。②对和声的结构进行了扩展，不协和和弦被更自由地运用；③常常采用半音转调和远关系转调，晚期浪漫派的作品有时会给人以调性含糊不清的感觉，但是仍然以调性音乐为主。④力度、速度变化强烈，这些表达感情张力的元素所造成的强弱幅度的对比成为时代的典型特点；⑤曲式结构自由多变，作曲家只注重内容和主观的表现，打破了古典主义时期严格的极富逻辑性的曲式结构；
举例说明
