外国美术史之二十世纪美术课堂笔记_外国美术史笔记1

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外国美术史综述之二十世纪美术(2010-03-08 19:47:58)

一、西方现代美术

（一）二战前

1913年2月17日，军火库展览，美国首次介绍欧洲现代艺术的展览。现代主义（Modernism）占主流，兼有其他传统的、学院的流派。18世纪以来欧洲哲学中重视个人人格、尊重个人创造性和主体性格的“主体论”得到更大张扬；艺术品的供求关系发生变化，开始走向市场。后印象主义塞尚和凡高分别成为现代艺术两种趋势的先驱人物。

欧洲传统艺术中一直存在两种倾向——重视理性精神和注重感情表现。

1、野兽主义（Fauvisme）：

在1905年巴黎秋季沙龙上，以马蒂斯为首的青年艺术家展出自己的油画作品，被批评家路易·沃塞尔戏谑的称之为“野兽”，“野兽主义”从而得名。是一个很松散的群体。特别注重发挥纯色的作用，强调色彩的表现力。实际上属于泛表现主义的范畴。马蒂斯，驱使他迈向革新之路的是后印象主义塞尚、高更、凡高和新印象主义画家修拉等人的作品。后印象主义、新印象主义+非洲土著雕刻+近东阿拉伯艺术。20世纪初画风追求原始格调，富有幻想意味，用快速、粗放有力的笔触造型，用纯粹的色域组织画面，使画面充满律动感。画面上特有阿拉伯饰纹，色彩绚烂，线条流动，很有装饰性。早期代表作有《戴帽子的妇人》、《奢华·宁静和愉悦》、《华丽》、《舞蹈》、《音乐》。马蒂斯把绘画比作“安乐椅”供人消遣和赏心悦目，他说他“梦寐以求的是一种和谐，纯粹而宁静的艺术”。30年代以后“野”气有所收敛。有些画家并未一直坚持1905年前后的画风，如德安、弗拉芒克、杜菲、卢奥、荷兰的唐元等。

2、立体主义（Cubism）

又译为立方主义，1908年始于法国。这个名称的出现含有偶然性。1908年,G·布拉克在卡恩韦勒画廊展出作品,评论家路易·沃塞尔在《吉尔·布拉斯》杂志上评论说:“布拉克先生将每件事物都还原了……成为立方体”，这种画风因此得名。立体主义是富有理念的艺术流派。它主要追求一种几何形体的美,追求形式的排列组合所产生的美感。它否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法,把三度空间的画面归结成平面的﹑两度空间的画面。明暗﹑光线﹑空气﹑氛围表现的趣味让位于由直线﹑曲线所构成的轮廓﹑块面堆积与交错的趣味和情调。不从一个视点看事物,把从不同的视点所观察和理解的,形诸于画面,从而表现出时间的持续性。这样做,显然不主要依靠视觉经验和感性认识,而主要依靠理性﹑观念和思维。立体主义活跃期是1907-1914年，它的出现是因为艺术受到了现代哲学、科学和机械工程学的刺激，也受到了塞尚晚期绘画中抽象视觉分析的影响，还受到非洲面具造型的启发。立体主义被人们看作现代艺术的分水岭，影响了20世纪绘画的发展，立体主义思潮还有力的推动了建筑和设计艺术的革新。立体主义的主将是毕加索和布拉克。毕加索1907年在非洲黑人雕刻和古代伊比利亚人艺术启发下的《亚维农少女》被认为是第一件有立体主义倾向的作品。1912年之前被称为“分析的立体主义”；1912-1914年被称作“综合的立体主义”。假如说分析的立体主义破碎而剔透的结构中，还保留着强烈的光线和某种空间感，综合的立体主义则不再从解剖、分析对象入手，而是利用多种不同素材的组合，去创造一个新的母题并且采用实物拼贴的手法，使艺术接近生活中平凡的真实。

毕加索，内心苦闷和忧郁时期，“蓝色时期”（1900-1903）和“粉红色时期”（1903-1905）。《弹曼陀铃的少女》、《卡恩弗勒像》是分析立体主义的代表作。1912-1914综合立体主义。1915年，转向新古典主义，在严谨的造型中，用夸张的手法表达宏伟磅礴的气氛。20年代受超现实主义影响的《三个舞蹈的人》（1925）。西班牙内战和纳粹占领法国期间连续性的版画《佛朗哥的梦幻与宣言》、以德国法西斯空军轰炸西班牙北部重镇格尔尼卡为题材的大型壁画《格尔尼卡》等等。

布拉克，1907末脱离野兽主义而迷恋立体主义后，一直忠于立体主义体系，画风比较稳定，立体主义衰退后，参加“黄金分割社”的展览。野兽时期作品《埃斯塔克码头》、立体主义作品有《埃斯塔克之屋》、《有小提琴和水壶的静物》、《葡萄牙人》等.此外还有格里斯、莱热（《玩牌者》）等人。

3、未来主义(Futurism)：

1909年2月20日，意大利诗人、戏剧家马里内蒂在法国《费加罗报》发表《未来主义宣言》，宣告未来主义诞生。未来主义受到尼采、柏格森哲学思想的影响，强调同旧的传统文化彻底决裂，否定一切文化遗

产和传统。认为人类既往的文学艺术和现存的文化都已腐朽、僵死，无法反映当今飞跃发展的时代，提出“摒弃全部艺术遗产和现存文化”、“摧毁一切博物馆、图书馆和科学院”的口号。未来主义追求文学艺术内容和形式的全面革新,认为文学艺术的使命应该是勇于探索未知，面向未来，从反映停滞不前的、死气沉沉的现实，转而反映新的现实和以此为基础的新的价值观念；把爱情、幸福、美德这些传统的主题排斥于文学艺术之外，转而“歌颂进取性的运动”、“机器文明”，歌颂工商业都市*的生活，赞美“速度的美”和“力量”，展示人的意识的冲动，甚至颂扬战争、暴力和恐怖。在艺术形式上，提倡以“自由不羁的字句”为基础的诗，以便随心所欲地表达运动的各种各样的形式、速度以及它们的组合。强调直觉，主张用一系列的“类比”、“感应”、“凌乱的想象”，排斥理性和逻辑，表现作者朦胧的、奥秘的感受和不可理解的事物，表现病态、梦境、黑夜、死亡。甚至要求取消语言规范，消灭形容词、副词和标点符号，而仅仅借助奇特的文字游戏，词语的字体变化，各种图案的剪贴、组合，模拟自然界杂乱的声音，甚至使用枯燥的数学符号、乐谱，来赋予字句以他们想表达的涵义，从而开辟了通向非理性主义和形式主义的道路。

1910年2月11日，卡拉、博乔尼、巴拉等在米兰签署《未来主义绘画宣言》，呼吁画家们发展未来主义风格，同年4月，发表《未来主义绘画的技法宣言》。首次未来主义展于1912年2月在巴黎举行，之后又进行过两次未来主义的展览。未来主义从其发端日起，就受到立体主义的影响。还运用新印象主义的点彩手法。巴拉，《链子上一条狗的动态》等。

4、表现主义（expreion_r_r_rism）：

也是涉及文艺各个领域的思潮和派别。作为社团，主要活动基地在德国。在欧洲各国均有反应。表现主义的艺术家反对机械地摹仿客观现实，而主张表现“精神的美”和“传达内在的信息”，强调艺术语言的表现力和形式的重要性。表现主义的风格从后印象主义演变发展而来，是对印象主义重视的描绘现实的悖逆，继承了中古以来德国艺术中重个性、重感情色彩、重主观表现的特点。在造型上追求强烈的对比，追求扭曲和变形的美。

19世纪末德国一些哲学家和美学家的理论，对表现主义运动起了推动作用。直接对表现主义美术产生影响的是挪威画家蒙克，早期油画《病孩》、《在灵床旁》、《母亲之死》，90年代起转向更具表现主义特征的画风，《呐喊》（1983）、《青春期》（1984），“生命”组画。揭示同时代人隐蔽的心灵，表现人们内心世界的痛苦与欢乐。他的作品多表现疾病、死亡、性爱等主题。德国表现主义的第一个社团是1905年在德累斯顿组织的桥社（，主要成员有基希纳、黑克尔等，试图建立一个把生活与创作结合为一体的社团，在形式上追求平面感和注意线的表现力，1913年因内部意见不一致而分裂。

第二个社团是1911年在慕尼黑成立的青骑士社，是从慕尼黑新美术家协会分裂出来的，成员有康定斯基、马尔克、马可等。这是团结在《青骑士年鉴》周围自然形成的一个社团,一战爆发后，中止活动。

康定斯基，在1911-1912年最早画出抽象绘画，理论集中在著作《论艺术的精神》、《关于形式问题》、《论具体艺术》、《点、线、面》中。他强调绘画的自律性；强调色彩和形的独立表现价值；主张画家用心灵体验和创造，通过非具象的形式传达世界内在的声音。他也过分夸大了抽象艺术和抽象形式的作用和意义。

马尔克，描绘动物（马）时寻求人与自然在精神上的和谐，艺术还含有象征性，并受到立体主义的影响。德国表现主义美术活动的另一个重要据点是柏林《狂飙》杂志和同名画廊。新客观社，出现于1923年，是德国表现主义后期的美术社团，严格的说它不是真正的艺术组织，而是展览会名称。

表现主义风格在欧洲其他国家也有鲜明反映。北欧19世纪末20世纪初青年风格，在绘画和实用工艺美术领域流行，注重艺术装饰性。在奥地利产生的维也纳分离派，代表人物克利姆特把写诗的古典艺术的造型和构图与工艺美术的装饰性色彩和线条结合起来，在绘画领域内创造了一种含有怪诞和幻想意味的风格。

5、至上主义（Suprematism）：

1915-1920年左右出现于画坛，是带有俄国玄学色彩的几何抽象主义，是一种摒弃描绘具体客观物象和反映视觉经验的艺术思潮。创始人马列维奇所使用的“新象征符号”是一些方形、三角形和圆形，还常使用一些单纯的白或黑的色彩，如《黑色方形》、《白之白》等。代表人物还有利希斯基等。

6、构成主义（Constructivism）：

构成最初仅用拼贴的形式。俄国艺术家塔特林在莫斯科运用不同材料作为悬挂的浮雕构成物，形式是抽象的《第三国际纪念碑》模型，1921年后，构成主义运动消沉。

7、荷兰风格派（De Stijl）：

1917年在荷兰出现的几何抽象主义画派，以《风格》杂志为中心，因此得名。创始人为杜斯伯格和蒙德里安。风格派拒绝使用任何的具象元素，主张用纯粹几何形来表现纯粹的精神。在抽象化与单纯化的口号下，风格派提倡数学精神。

蒙德里安，《红与黑》（1925），《百老汇爵士乐》（1942-1943）。风格派和蒙德里安的独特创造对西方现代抽象艺术和建筑设计艺术均有很大影响。

8、巴黎画派：

20世纪初在巴黎活动的，未参加现代艺术流派的艺术家。未结成社团，风格也不相同。基本采用写实的手法，或多或少受到野兽主义和未来主义思潮的影响。作品有很浓郁的感情表现，代表人物有莫迪利阿尼、于特里约、夏加尔、苏丁纳等。从某种意义上说，巴黎画派画家的风格介于写实主义和现实主义之间。

9、“新艺术”运动（Art Nouveau）：

19世纪后20年到20世纪前10年，在西欧地区的建筑装饰和工艺设计美术领域，由伦敦传播到欧洲大陆，德国称之为“青年风格”，奥地利“分离派风格”，意大利“自由风格”，西班牙“现代主义者”，巴黎“现代风格”，新艺术运动从本质上说是唯美主义的，讲究趣味的精致与优雅，并且含有世纪末的颓废倾向，对设计和使用艺术的现代化起了积极的推动作用。

10、达达主义（Dadaism）

产生于1915-1916年，提倡否定一切，否定理性和传统文明，提倡无目的、无理想的生活和文艺，倡导人查拉。在美术领域他们提倡自动性和偶然性，1917年春达达主义在苏黎世举办展览。达达主义的目的不在于创造，而在于破坏和挑战，所以广泛采用拼贴和现成物。1922年达达主义内部分裂，一部分以A·布雷东为代表组织超现实主义社团。二战后，西方一些艺术家重新探讨达达主义的意义，把达达原来作为破坏和挑战的手段，看作审美对象，利用大众文化传播媒介，生活用品和工业废品组成美术品，掀起“新现实主义”或“新达达主义”浪潮。

达达主义中最值得研究的人物是法国杜桑，他早期迷恋立体主义和未来主义，1912年作《下楼梯的裸女：第2号》，属于立体-未来主义风格。他最典型的达达主义的作品是大玻璃画《新娘的衣服被单身汉们剥得精光》（1915-1923）、《泉》（1917）、《带胡须的蒙娜丽莎》（1920）。

11、超现实主义（Surrealism）

在达达主义基础上发展起来，波及各个文艺领域，运动中心在巴黎，吸收了达达主义及传统和自动性创作的观念，摒弃了达达主义全盘否定的虚无态度，有比较肯定的信念和纲领，作为文艺运动在两次世界大战期间广为传播。其深受弗洛伊德潜意识理论的影响，致力于探讨人类的先验层面，试图突破符合逻辑与实际的现实观念，把现实观念与本能、潜意识和梦的经验相糅合，以达到一种绝对的和超现实的情境。这种不受理性和道德观念束缚的美学观念，促使艺术家们用不同手法来表现原始的冲动，促使自由意象的释放。超现实主义在文学上强调自动性书写，美术上则强调偶然因素的结合、无意识的发现、梦境的真实再现。在手法上自由的使用写实、象征和抽象。第一个《超现实主义者》宣言发表于1924年A·布雷东起草。第一届超现实主义美术展览于1925年在巴黎举行。1924年至30年代末是超现实主义的活跃期。30年代后，作为运动超现实主义逐渐沉寂，但许多重要的超现实主义画家仍然活跃于画坛.超现实主义运动拓宽了美术表现领域，使艺术家充分发挥自己的想象力和幻想力并运用各种手段进行创作，创造画境；此外，许多超现实主义画家有浓厚的社会参与意识，用美术作为手段干预现实，这也是值得肯定的。当然，各位艺术家的思想倾向和艺术技巧等并不一致，这也就造成他们艺术作品的差别.西班牙达利和米罗是超现实主义运动的巨匠。达利，惯用不合逻辑并列事物的方法，更有甚者，他把受激情产生灵感的创作，转变为流动性的过程，并把这些过程称之为“偏执狂的批判方式”，即将自己内心的世界的妄诞、怪异加入或替代外在的客观世界，常用分解、综合、重叠和交错的方式，来反映潜意识的过程，他的有些作品含有宗教的神秘感和色情因素，《记忆的永恒》；米罗，被人们认为“把儿童艺术、原始艺术和民间艺术糅为一体的大

师”此外还有恩斯特（德裔法国），拓印素描集《自然史》；阿尔普；伊夫·唐居伊（法）；马格里特（比利时）。

12、“形而上绘画”：

参加过超现实主义画展的意大利画家基里柯，在1917年与卡拉合作促成“形而上绘画”的形成，在未来主义活跃期，对未来主义的形象解体和动感表现表示反对主张绘画需回到清晰明确的形象，以表现寂静的意境。基里柯在1910年前后就创造出这类作品，受象征主义影响，也受尼采哲学启发，对尼采描绘的荒芜人烟的意大利城镇颇感兴趣原始主义对西方早期现代艺术的影响体现在哪些方面？

（二）二战后

从50年代起，出现“后现代主义”，在这一阶段，现代主义仍然很活跃，而传统的、学院的，以至其他被现代主义排斥的非主流艺术，也有复苏迹象。

1、抽象表现主义（Abstract expreion_r_r_rism）：

它的崛起是美国现代主义艺术在西方画坛领一代风骚的标志，它实际上是一种艺术思潮并无统一的风格特征，它继承了从凡高到超现实主义追求艺术的抽象化、直接性、自动性和表现潜意识的自我等方面的探索成果。他强调作者行动的自由性和无目的性，把创作行为本身提高到重要位置。其中已经孕育着以创作者的行为作为艺术传播媒介的因素。抽象表现主义思潮适应了二战后美国人的心理状态和审美要求。重要画家有：托比、德·库宁、克兰、罗思克、马瑟韦尔（《西班牙共和体的挽歌》）、波洛克等。波洛克，“行动绘画”，便于画家用全身的动作来表现无法自控的内在意识和行动，为以后西方行动派艺术开了先河反映了美国民族不墨守成规，勇于进取，不断开拓宏观世界和内在深处意识的精神，表现了美国战后昂扬的精神状态，但在高昂后面也表现了美国知识界在高度工业化社会中的某些狂躁、忧虑和焦灼不安的情绪。

2、“后绘画性抽象”（Post-Painterly Abstraction）：

60年代成为一种艺术思潮，这群画家对抽象表现主义以笔触、色彩和肌理效果来表现主观感情表示反对，主张以清晰明确的抽象形式取而代之。这种新抽象的艺术形式又被称作“色面绘画”、“硬边抽象”，一直延续到70年代被称之为“极少派”的抽象主义，说明美国艺术由强调主观感情转变到侧重于表现客观。

3、波普艺术（Pop Art）

名称最早出现在50年代的英国，后广泛运用在美国艺术中，被用来成为一种大众流行的艺术现象。针对抽象表现主义这一类现代艺术对工业化的反感和对都市、机械文明的逃避态度，波普艺术家却用他们在生活环境中所接触的材料和媒介来制造大众所能理解的形象，以使艺术和工业机械文明相结合，并利用大众传播媒介（电视、报纸、印刷品）加以普及。波普艺术的精神是准确的捕捉大众文化的内涵，至于用何种具体的形式，艺术家们有广泛的自由，其手法与达达主义有一脉相承之处，所以人们把它称之为“新达达”或“新现实主义”。艺术家有安迪·沃霍尔、利希滕斯坦、奥尔登伯格、韦塞尔曼、西格尔等。

4、“后现代主义”（Post Modernism）：

50年代以来欧美各国（主要是美国）继现代主义之后前卫美术思潮的总称。后现代主义的概念最早出现在建筑领域，后来逐渐扩展到美术其他领域。它的含义并没有明确的界定。波普艺术一方面沿着与科技结合的方向发展，一方面又向实际生活渗透。向实际生活渗透的结果，便产生“综合艺术”。最早制作综合艺术的人是美国新达达主义人物劳申伯格和琼斯。与此同时，在使艺术品具有“综合感受”方面，出现了“极少派艺术”，注意便准化、规格化、毫无个性，极少派的美学观念是：越是共性大的作品被观众认知和理解的可能性越大，反之，个性和特殊性强的作品，只能被少数有修养的人认知和欣赏。因此后现代主义以艺术的大中型反对艺术的精英型，以粗俗、生活化反对精雅的艺术趣味；主张艺术各门类、艺术与生活之间界限的消失，艺术品不仅要作用于视觉，而且应该作用于听觉、触觉，甚至嗅觉的美学主张，以及艺术的目的是制造“整体情景”等等，从而促使了“环境艺术派”、“大地艺术派”、“偶发派”、“表演派”的出现。在美国60年代出现影欧亚的观念艺术.70年代兴起的“照相写实主义”或称“超级写实主义”，这派认为艺术家应不含主观感情，用大众共同的眼睛（照相机）来观察和反映，以为如此作品便能为更多的群众所了解，达的范围也就更普遍。80年代“新表现主义”(New-expreion_r_r_rism)，说

明纯客观的、与现代机械文明相结合的、试图打破艺术与生活之间界限的后现代主义思潮和现象，在人民大众和文化界受到的批评和质疑越来越多。艺术中出现了回归传统（包括古典传统和现代传统）的趋势。20世纪初表现主义的许多要素，特别是用艺术形式来传达思想和感情的方式，重新受到关注。

后现代主义美术现象有以下特点：（1）企图突破审美范畴，打破生活与艺术的界限；（2）对主流美术思潮的质疑和对少数民族地区和边远地区美术的关注，主张多元和承认多中心；（3）从传统艺术、现代主义艺术的形态学范畴转向方法论，用艺术表达多种思维方式；（4）从强调主观感情到转向客观世界，对个性和风格的漠视或敌视；（5）从对工业、机械社会的反感到与工业机械的结合；（6）主张艺术平民化，广泛运用大众传播媒介在欧洲与美国抽象表现主义相呼应的：“斑点派”，有不规则的色点和色块构成的绘画，法国杜布菲，观念和技法与美国抽象表现相似，强调自动性的本能表现，还有马休、阿兰等；“卡布拉”，意为眼镜蛇，也强调艺术家创造力的直接表现，特别注意色彩和笔触的强烈效果，形象虽经扭曲，大体还可以辨认轮廓，比较有成就的有阿派尔、阿辛斯基等

意大利的布利、西班牙的塔比埃斯是战后重要的注重语言表现力的艺术家。

60年代，法国出现“新现实主义”，与美国的后期波普和新达达在精神上相呼应，重要艺术家有克里斯多（捆包物体）、斯波利、克莱因、阿尔曼（集压）、塞札尔（压缩法）等

德国的波伊斯是西方观念和行为艺术的重要代表人物。

英国现代绘画，法兰西斯·培根、格雷厄姆·萨瑟兰。

（三）20世纪西方现代雕塑

19世纪末开始欧洲雕塑逐渐向夸张和变形的方向发展，以求表现生命的运动，表现生命和现实的搏斗。20世纪上半期雕塑呈现出多种多样的风格。马蒂斯、毕加索在雕塑领域均有建树。未来主义主将博乔尼试图在静态中表现出真正的动感，《空间之瓶》、《空间中连续的形》。

布朗库西（罗马尼亚），他着眼于造型的纯粹性，把单纯性与表现事物的本质联系起来加以认识，《沉睡的缪斯》、《波嘉尼小姐》、《无尽柱》、《鸟》等。

英国亨利·摩尔，对雕塑创作所下的五条定义是：（1）对材料的真诚；（2）空间的三维的充分实现；（3）对自然物象的观察力；（4）想象与表达；（5）生命力与表现力。他的创作最重要的特色是每件作品有它本身内在蕴积的能量。《国王和王后》等。

瑞士贾克梅蒂，在领悟传统和研究现实的基础上将雕像的量、块观念加以舍弃，把线作为人体的基本构成因素，刻画出瘦长、憔悴、像幽灵似的人体。《指手的男子》“活动雕塑”。

西方现代静态雕塑的发展趋势是广泛利用现成物，利用工业社会的产品和废品。