人体素描教学课程的思考(现代教育教学导刊7)_现代的课程与教学

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人体素描教学课程的思考

毕亚楠

黑龙江大学艺术学院

哈尔滨

150080

人体素描课作为绘画专业的基础课程长期以来占有非常重要的地位，所有学习绘画的学生都要经历素描静物到素描人像再到素描人体的学习过程。那么作为绘画专业基础课，人体素描课程开设的目的性，我们有必要来探讨一下。

一、人体素描课的目的经常遇到学生问我，老师我们为什么要学习人体，人体画到什么程度才算完成，怎样的作品才算是好的作品？对于学生们的困惑我想对他们说，艺术不是数学，不是靠加减乘除去计算、衡量，它并没有一个标准答案，艺术的魅力就在于它无限的创造性，只要能触动人心灵的都是好的作品。但是目前我国所广泛采用的是较单一的教学方法，它的特点是孤立地强调明暗层次和光影虚实的照片效果，追求表面的相似和画面的细腻感。这种教法方法重写生能力而非创造能力，重模仿能力而非表现能力。所产生的后果就是学生普遍缺乏创造能力，所学的基础课程与创作课程很难衔接，因为学生把模仿当做是素描的唯一方法，并没有真正去发掘人体的美感与画面的表现力。

这是由于我国传统上一直采用的是苏联契斯恰柯夫教学体系，使素描教学产生了单一的教学形式。契斯恰柯夫教学体系过分追求三度空间的深度表现，使用削尖了的硬铅笔来细心刻画明暗调子层次之间的细微差别，以达到近似于黑白照片的效果，也是我们常听到得“全因素素描”。这种方法在培养学生基础技能训练中无疑是一种比较科学的方法，它能让学生深入理解绘画中空间、结构、明暗层次等基本要素，但是素描的目的就仅此而已吗？这里我们有必有讨论一下学习素描的目的，素描仅仅是作为绘画的基础所做的练习吗？当然不是，素描作为绘画中的一种是具有独立的艺术价值的，安格尔曾说过：“素描包括构成绘画的一大半”，“素描除设色以外包括所有的一切。”他还告诫他的弟子们说：“必须经常画素描，不用铅笔时就用眼睛”。我们可以看到许多大师流传下来的的优秀素描作品并不比其油画、版画作品逊色，而且具有相同的艺术价值。比如丢勒的《母亲》，达芬奇、米开朗基罗为壁画所做得草图，安格尔、鲁本斯、伦勃朗等所画的素描人物全都非常生动，打动心灵。

如果把我们的素描作业同某些欧洲大师们学习阶段的素描作业相比较，不难发现，我们的素描作业并不是画得不够，而是画过了头，因为在追求空间、结构上过了头，一味追求细微调子上的差别，结果完全失去了绘画应有的味道。即使花费了好几周的时间把一幅素描作业画得很完整，也不过像一张逼真的黑白照片，这样的素描是无法体现出绘画的魅力的。

二、人体素描课更应培养学生的艺术素质

教师应该每个学生都当做艺术家去培养，在教授专业基础知识的同时也将艺术理念传输给他们，在评价他们作品时要把他们当做艺术家看待，除了绘画的功力以外，还要特别审视他们艺术个性的发展，重视从艺术素质的考察和培养，防治纯技术为主的手段。

要做到以培养学生艺术素质为素描课的前提，首先应该培养学生科学的观察方法。正确的观察方法是艺术实践经验与艺术修养的积累相溶合的结果，要让学生明白正确的观察方法不是只关注对象的外形特征，结构线条，而是要先用心灵去感受对象，抓住对方的第一感觉，挖掘对象的生动特征，也就是要抓住特点，用心表达。例如忻东旺的作品中那些憨厚质朴，个性鲜明的农民工无不给观者震撼的感受，让人的心随之所动，觉得眼前看到的就是活生生的农民工形象。但当我们看到他所画的原型时，会惊讶发现其实画作中的本人并没有那么的个性鲜明，也并不生动，就跟我们每天看到的普通农民工没有什么不同。为什么在画家的眼里普通的人能变成画作中那么生动感人的形象呢？就是因为艺术家有一双发现美的眼睛，在创作之前，他们已经用眼睛、用心灵画出一幅生动的蓝图了。

其次要培养学生发现美的眼睛。在以往教学过程中，我发现很多学生在画模特之前竟然没有打量一眼就起笔开始画，不一会儿又擦掉重画。这样的学生通常是糊里糊涂作画，像是没有经过彩排就直接上场的戏剧，结果可想而知。其实从学生开始的第一笔就能大概看出来他是否心中有数，有些学生经常看手画手，看脚画脚，眼睛里只有局部，没有整体，他们经常花费打量时间去刻画每一个局部，但最后整幅画的效果却不好。而有些学生的作品虽然笔墨不多，但是画面效果确实十分完整生动，这说明这些学生是用脑在画画，而不单纯是用笔画画。中国画论强调“意在笔先”，下笔之先要“成竹在胸”，西方绘画同样强调创意、感受。画家在作画之前，精神应处于高度集中，神经极度兴奋，感情激荡的状态，这样才能迸发出创作的灵感。要捕捉对象身上的美，发掘自身深透的观察力和敏锐的艺术感受力，把自己当做是一个艺术家，而不是画匠。

三、丰富教学方法，让人体素描更具艺术表现力

如何让学生人体素描作品更具艺术表现力？培养学生把握好人物的动态和用线，把握好这两个方面学生的人体素描作品会有明显改观。

首先，把握好人物的动态为什么在人体素描中具有非常重要的地位？因为动态能体现人的生命和神韵。动态(包括五官的动作、面部表情)体现人的生命力、心理活动、性格和气质。人物素描的高境界是以形写神，神形兼备。只有处理好动态的和表现才有可能达此境界。动态体现着人体的生命力。在人物造型中需十分重视动态的表现，动态比其它因素更能传达艺术家的创作意图。一件好的作品可以允许许多技巧、技术上的不足，但不能没有动态的准确表现。

如何很好的把握人物的动态，徐悲鸿先生曾说过：“宁过勿不及”“如头向上仰，宁求其过分之仰：后顾，必尽其回顾之态。”在写生绘画中“宁过勿不及”是一条不成文的准则，例如米开朗基罗的人体素描中人物的姿态都是经过他艺术加工过的，让模特摆其姿势是摆不出来的，再如鲁本斯所作的人体，几乎全部夸张了人体的分量感，使他画中的人物具有向外的扩张的力量的美感。这些大师的作品之所以给我们以视觉的享受，心灵的震撼，是因为他们并没有描摹生活的原型，而是经过自己的艺术加工，使画中的人物更具美感和表现力，从而升华为更高于生活的美。

那么如何更好的表现人体的动势之美，要靠线来表现。以前学生在静物、石膏素描训练阶段，他们养成了用明暗调子表现体积结构，头脑里没有线，更不懂得线的神奇表现力。西欧绘画大师后期的素描作品，无不以惊人的线条表现力令人叹服。

与线描方法相反，素描的另一种方法是以块面为主的表现方法。以块面为主的素描方法，作为锻炼造型能力的基本手段是有重要价值的。因为它表现的范围比较广泛、全面，除色彩以外可以籍这种方法研究表现很多东西。能够把对象画得比较完整、真实，做到如实地表现对象。对初学绘画的人是有用的，作为基础课也是符合美术院校的教学要求的。但是对一个画家来说，也只是在他学习的阶段才有必要进行这样的素描锻炼。这种素描方法尽管能够做出比较全面的表现，但毕竟不能代替线描方法。而且与创作的关系不太密切，因此艺术家只要进入独立创作阶段，就没有必要再做这样徒劳的练习了

学生要不断研究线的运用，提高用线的表现能力，否则素描就只能停留在学生的素描水平，而不能成为真正具有艺术价值的作品。使用大胆的、简练的、奔放有力的线来肯定形体，之所以能够使人喜爱，正是因为素描的线描方法本身具有独立的审美价值。

生活是艺术的源泉，但艺术决不能等同于生活。艺术不应该是模仿，绘画不应该是生活的模仿品。绘画艺术的创新，要求建立相应的素描观念，以正确的素描观念去进行创作。我们提倡的是创造型素描而不是模仿式素描。以形象构成的本质因素为基础，注入画家个人的真情实感，才是具有艺术感染力的作品。

本文是黑龙江省教育厅人文社会科学项目《人体素描研究》立项研究成果。