从五部经典歌剧看西方歌剧的发展_对西方歌剧发展的认识
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从五部经典歌剧看西方歌剧的发展
摘要：本文主要通过对奥菲欧、费加罗的婚礼、茶花女、图兰朵、克林霍佛之死（恐怖分子）这五部代表了西方歌剧发展的不同阶段的经典作品的分析，简要地谈一谈笔者对西方歌剧发展的认识。
在选修西方古典音乐这门课之前，笔者对于西方古典音乐的了解还仅限于平时耳熟能详的音乐家和经典曲目，对歌剧这一门精彩艺术的认识还是一片空白。在课堂上听了奥菲欧、费加罗的婚礼等经典曲目后，笔者对歌剧这门艺术产生了极大的兴趣，在课余时间欣赏完了这五部歌剧，也了解了歌剧发展的相关历史。总体来说，17世纪，西方歌剧在意大利诞生；18世纪，西方歌剧在法、德、英等国得到发展；19世纪，西方歌剧艺术硕果累累，成就斐然；20世纪，西方歌剧艺术开始调整方向，而这五部歌剧恰好都是它们所在时代的代表。下面笔者将具体分析。
一、《奥菲欧》与西方歌剧的萌芽
16世纪末，西方歌剧在欧洲诞生。西方的第一部歌剧，是1597年在意大利佛罗伦萨巴尔迪伯爵的宫廷内出演的《达芙妮》，此作品爱人文主义的影响，企图恢复古希腊戏剧精神，但是由于此剧原稿失传等原因，后来人们把1600年为庆祝亨利四世婚礼而写的《尤丽狄茜》作为欧洲最早的歌剧。歌剧的诞生年亦被认定是1600年。
17世纪最有影响力的歌剧作曲家是意大利尤其的蒙特威尔第，他一生创作颇丰，为巴洛克风格的奠定作出巨大的贡献，但是，他最重要的作品还是歌剧《奥菲欧》。在这部作品中，不仅完整的体现了巴洛克的创新、融合及理性情感的精神和美学观，而且显示出巴洛克时代杰出的作曲技术和纯熟的对位法。该剧以古希腊悲剧神话故事为题材，运用大量的牧歌、单声歌曲、咏叙调（介于宣叙调与咏叹调之间）和各种器乐形式，增强旋律的美感与和声的效果，并采用当时不多见的管弦乐编制以及独创性的配器法效果，奠定了歌剧中的器乐地位。
蒙特威尔第的《奥菲欧》是歌剧走向成熟的的标志。他用当代的音乐语言展现出一幅具有古韵的戏剧长卷，奥菲欧的音乐之力在诗画般的情境中显现出神奇的美丽。人们在此不仅感受到音乐的艺术魅力还能领悟到渗透在音乐之中的戏剧情节。可以看出蒙特威尔第的歌剧创作在强调情感的表现和戏剧性对比的同时，更注重细节的装饰性，这些都完美地体现了巴洛克时期的艺术审美特征。
二、《费加罗的婚礼》与18世纪古典主义歌剧
进入18世纪后，传统意大利歌剧（正歌剧）由于程序化创作等原因，使歌剧出现了危机，在这时，取材于日常生活，剧情诙谐、音乐质朴的喜歌剧体裁开始兴起，歌剧开始改革。其中有影响力的事件是德国作曲家格鲁克的歌剧改革，他针对那不勒斯歌剧的平庸、浮浅，力主歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现就纯朴、自然。他的歌剧改革对后世歌剧产生了极大的影响。
18世纪下半叶，出现了一位杰出的歌剧作曲家——莫扎特，他创作的《费加罗的婚礼》、《魔笛》等作品，代表了他在这一领域的最高成就。他的歌剧总结了歌剧二百年的发展，综合了各种歌剧的优势，使歌剧创作达到了一个新的高度。特别是对喜歌剧的贡献，在他之前意大利喜歌剧只是一种滑稽、逗笑和杂耍式的剧种，它最早诞生在意大利正歌剧中。他的喜歌剧不在是单纯的逗趣，音乐不只是追求热闹和轻快。在《费加罗的婚礼》这部歌剧中他废弃了原来意大利喜歌剧体裁中偏重于表面夸张的手法而赋予了更深的抒情性。他使得每个角色的音乐均由符合自己基本性格的一些特点，并且在歌剧清洁的发展中始终保持着他们的基本面貌。他还成功地运用了戏剧性的重唱来展开情节以及造成某些戏剧性冲突的高潮。通过这些重唱不仅反映了各个角色对同一个事件中不同的心理状态、不同的表现，同时还通过不同声部的组合表现了剧中各个角色之间的不同关系。在题材方面，莫扎特还把生活中更丰富的内容加近来，扩大了题材范围，反应当时的社会现实，增强了喜剧的深度，反映了当时的启蒙思想。
三、威尔第与浪漫主义歌剧
十八世纪末十九世纪初，欧洲文学艺术普遍形成了一种新的潮流、新的风格，就是所谓“浪漫主义”，以贝里尼和唐尼采蒂为代表的浪漫主义美声歌剧流派为意大利歌剧的发展做出了贡献。到了十九世纪中期，威尔第把意大利歌剧带到了空前绝后、尽善尽美的境地。威尔第认为每个民族应该培养本土的音乐，坚持独立音乐风格，不受外来思想的影响。他坚持歌剧是人性的，诗句是人类的思想，《茶花女》是威尔第最有影响力、最具社会意义、最成功的歌剧之一。
在歌剧的题材方面，威尔第的歌剧《茶花女》率先打破自古希腊以来的歌剧题材选择传统，把薇奥莱塔这样一个社会底层的妓女的卑贱人物形象搬上了歌剧舞台，这是一个歌剧题材选择的革命性创举，顺应了欧洲启蒙运动的发展，第三等级的需要，他以最大的同情诉说了身为高级妓女的薇奥列塔对真诚爱情的渴望，以及被社会偏见损害甚至毁灭的凄情悲剧。在音乐方面，《茶花女》旋律极富形象性、抒情性，能生动具体地表现出剧中人物的性格和心理活动，同时能把人物复杂的心理活动刻画得惟妙惟肖。譬如说《茶花女》中阿尔弗莱德的咏叹调《我热情沸腾像烈火》就把音乐的抒情性和音乐的戏剧性完美地结合了起来。威尔第作品的另一个特点是以民间曲调为基础，朴素鲜明、琅琅上口，富于民族精神、民间气息。“如《茶花女》里的《饮酒歌》，给人的印象深刻，也是笔者很喜欢的一个片段。
作为意大利歌剧成熟时期的代表性作品，歌剧《茶花女》为欧洲歌剧发展史做出了重要的贡献，对欧洲的歌剧作品有着承前启后的作用。在威尔第的歌剧中，音乐绝非仅仅是手段，更重要的是，它是歌剧的灵魂。歌剧要以音乐来统帅其全局的结构，在音乐中追求人物形象的鲜明独特，刻画人物内心的精神世界。
四、《图兰朵》与普契尼的歌剧创作
普契尼是 19 世纪末 20 世纪初闻名于世的意大利歌剧作曲家，一生创作了二十多部歌剧作品。《图兰朵》是普契尼晚年时期创作的，也是他一生中的最后一部歌剧。在选材上,普契尼很注重异国情调。虽然异国情调自 19 世纪以后已成为法国、意大利歌剧风格中的一个重要组成部分，但大多仅仅作为歌剧音乐结构主干上的一种装饰或色彩因素。而在普契尼看来，这种因素非常重要，重要到对剧中人物的形象的刻画。
《图兰朵》即以中国元代的公主图兰朵的传奇故事为主题。全剧自始至终都渗透着中国情调，旋律及和声色彩富有中国化，中国民歌《茉莉花》的曲调做为主旋律在剧中被多次巧妙地运用。其次，在审美主题上，普契尼打破了以室内性、抒情性、现实性的人物刻画、温情脉脉的中产阶级情调为一贯倾向的创作习惯。以往他的作品主要以极具抒情特质的旋律见长，这也是他的歌剧受到普遍欢迎的重要原因，而在《图兰朵》中，普契尼为了表现这一史诗般的故事，设计了许多宏大场面和复杂的人物关系，这显然是一种有意的风格转向，阴暗的气氛、血腥的故事情节、压抑的心理状态和紧张的戏剧悬念，都是普契尼在原有创作风格上的一种新的审美课题。而在人物形象的塑造上，普契尼以往的歌剧中都是以阴柔之美———脆弱、哀怨、温柔、忠于爱情但无法逃脱命运摆布的女性形象做为刻画的主要对象。在《图兰朵》中，普契尼一方面继承了以往他作品中出现的人物类型，他塑造的甘于自我牺牲的女仆柳儿，这个善良柔弱的女子是他笔下又一个典型女性形象；而另一方面则在各个角度上对一些新的形象和人物心理进行了挖掘。图兰朵是普契尼笔下女主角中戏剧张力最大的一个，她的高傲、冷酷和对男性世界无情的憎恨在普契尼笔下得到了充分展示。
整体上看，《图兰朵》是普契尼不寻常的歌剧作品，它代表着普契尼创作生涯的顶点和终点，是普契尼全部艺术风格的完美体现，表现出了普契尼其他歌剧不具备的开阔视野和丰富内涵。
五、约翰·亚当斯与现代歌剧
约翰·亚当斯是美国最受敬佩、作品表演最为频繁的当代作曲家之一，到目前为止，他的音乐创作包括歌剧作品6部、管弦乐作品21部等。其中，歌剧《尼克松在中国》是他首部在世界范围内上演和传播的作品。亚当斯的音乐作品，无论是歌剧，还是交响性作品，都以深刻的表现、辉煌的声音，以及具有意义深远的人文性主题的特征从当代经典音乐作品中脱颖而出，他的作品也代表了现当代歌剧的一个发展趋势。
歌剧《克林霍佛之死》是他与诗人、剧作家爱丽斯·古德曼创作的表现巴勒斯坦解放阵线分子劫持游轮事件的作品。歌剧以发生在上世纪 80 年代中期的真实事件为背景，一艘航行在地中海上的意大利游轮遭到几名巴勒斯坦解放阵线分子的劫持，他们要将全船的旅客作为人质，向以色列交换回被俘虏的巴勒斯坦游击队员，在船上的旅客中有一名姓克林霍佛的残疾犹太老人，他坐在轮椅上，由于和巴勒斯坦人进行争执，结果被他们杀害！最后，事件以游船获救，巴勒斯坦人投降而告终。亚当斯该剧的取材大胆新颖，敢于以当代的政治事件为故事主干，反映当时国际形势的乱象，无论是犹太人还是巴勒斯坦人之中的人民都是无辜的，反倒是他们历年来遭受战争的苦难，生命被剥夺、财产遭受损失成了大国政治势力的筹码和牺牲品。这部歌剧对于现实的反映之深刻，引发观众的共鸣之强烈尤其能表现其人文主义精神的内涵。
在歌剧的表达形式方面，亚当斯也进行了大胆的创新。我们在课堂上观看的《克林霍佛之死》的版本，更像是一场电影，运用摄像机的镜头把不同的场景串联起来，而不是以往歌剧所采用的舞台表现的形式。这一大胆的创新，让全世界的观众都有机会坐在电视机前欣赏歌剧，对于歌剧的推广也有极大的意义。
参考文献
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